Efemérides-Salseras
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Efemérides: 17 De Julio

La Esquina Del Movimiento presenta en esta entrada las Efemérides: 17 De Julio. Gracias a Nuestro Colaborador desde Venezuela «Jhonatan Núñez». Él nos dicta cátedra de Efemérides Salseras mes a mes. Jhonatan, ¡Dios lo Bendiga por su Ayuda a Este proyecto!

Efemérides: 17 De Julio

Efeméride #1 / Armando Romeu Jr.

Comenzamos las Efemérides: 17 De Julio recordando a Armando Romeu Jr. Nace el 17 de julio del año 1911 en Cuba. Saxofonista, Vibrafonista, Compositor, Arreglista y Director musical, sobrino del Pianista Antonio María Romeu e hijo del Charanguero Armando Romeu Romero (considerado uno de los más grandes arreglistas de Jazz nacido en Cuba, de todos los tiempos).

Creció bajo las enseñanzas de la música por herencia genética. Se destacó los oficios de su padre, desde muy pequeño.

En su carrera, trabajó con las orquestas “La Bellamar” y «Cubana de Música Moderna». También hizo arreglos para Nat King Cole y muchos otros artistas más.

Falleció el 11 de marzo del año 2002.

Por Jhonatan Nuñez

Efeméride #2 / Eleanora Fagan Gough «Billie Holiday»

Seguimos adelante con las Efemérides: 17 De Julio refiriéndonos en esta oportunidad a Eleanora Fagan Gough «Billie Holiday», muere a causa de cirrosis hepática el 17 de julio de 1959, en New York, Estados Unidos, a la edad de 44 años. Apodada también como «Lady Day», junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald, está considerada entre las más importantes e influyentes voces femeninas del jazz de todos los tiempos.

El tema «Strange Fruit», interpretado por Billie, fue considerada la mejor canción del siglo XX, por la revista Time en 1999. Frank Sinatra, confeso que Billie Holiday, fue su mayor influencia en la música.

Nació en Pensilvania el 7 de abril de 1915, pero creció en Fells Point, un barrio de Baltimore. Su madre, Sadie Fagan, tenía sólo trece años cuando nació Billie; su padre Clarence Holiday, un guitarrista y bajista de jazz que tocó en la orquesta de Fletcher Henderson, tenía quince. Los padres de Billie nunca se casaron y él las abandonó cuando ella era todavía un bebé. Su madre, excesivamente joven para la responsabilidad, abandonaba con frecuencia a la niña con parientes de no muy buena reputación. Billie fue enviada a una escuela católica a la edad de diez años, después de haber admitido ser violada varias veces, por mas de diez hombres. Aunque debería haber estado en la escuela hasta convertirse en adulta, un amigo de la familia la ayudó a escaparse dos años después. En 1927, madre e hija se marcharon primero a Nueva Jersey y después a Brooklyn. En Nueva York, además de ayudar a su madre en trabajos de ayuda doméstica, Billie empezó a ejercer la prostitución.

Hay controversia en referencia a la paternidad de Holiday. Esta controversia está generada por la copia de su certificado de nacimiento en los archivos de Baltimore, que muestran como padre a Frank DeViese. Algunos historiadores consideran esto una anomalía, insertada probablemente por el hospital o trabajadores del gobierno. Clarence Holiday aceptó su paternidad pero fue a duras penas un padre responsable. Rara vez Billie lo veía, y si lo hacía, ella le pedía dinero amenazándolo con contarle a la novia de su padre que ella era su hija.

Contineumos con nuestras Efemérides: 17 De Julio. Hacia 1930-1931, Billie Holiday cantaba ya frecuentemente en varios clubes de Nueva York. Su popularidad empezó a cimentarse en 1933 cuando el productor John Hammond habló de ella públicamente en su columna de prensa y llevó a Benny Goodman a una de sus actuaciones. Después de la grabación de una prueba en los estudios de la Columbia, Billie se unió a un pequeño grupo de músicos dirigidos por Benny Goodman para hacer su debut comercial el 27 de noviembre de 1933 con la canción «Your Mother’s Son-In-Law».

Sus primeras grabaciones de estudio las realizó bajo el sello Columbia, en ese mismo año, 1933, para luego continuar con Brunswick en 1935 hasta un año después. En estos primeros trabajos, grabó junto a algunos de los mejores músicos de la historia del jazz, como Ben Webster, Benny Goodman, Roy Eldridge, Johnny Hodges, Jonah Jones, entre otros. Teddy Wilson se encargó de reunir a estos músicos y formar reducidos y selectos conjuntos instrumentales. En este breve periodo destacan los temas: «If You Were Mine» (1935), «These Foolish Things» y «I Cried for You» (1936), en el formato habitual para grabaciones de alta calidad de la época, vinilo a 78 RPM.

Fue por ese tiempo cuando tuvo sus primeros éxitos como cantante. El 23 de noviembre de 1934 cantó en el teatro Apollo recibiendo buenas críticas. Su presentación con el pianista y posterior amante Bobby Henderson hizo mucho para consolidar su prestigio como cantante de jazz y blues. Poco tiempo después Holiday empezó a presentarse regularmente en numerosos clubes en la calle 52 y en Manhattan.

Pues bien, continuemos con nuestras Efemérides: 17 De Julio. Del año 1937 a 1940 alternaría entre los sellos Brunswick y Vocalion grabando importantes estándares como «My Last Affair» (1937), «I Can’t Get Started» (1938) y «Night and Day» (1940); además, estrenaría futuros éxitos de su carrera como «Strange Fruit» (1939), e incluso composiciones propias como «Fine and Mellow» y otras menos conocidas como «Everything Happens for the Best» (1939). Algunas de sus grabaciones serían su debut y serían grabadas más tarde con más éxito como «He’s Funny That Way» (1937), «My Man» (1937) o «You Go to My Head» (1938). Trabajó con el saxofonista Lester Young en 1937. En 1938 canta en el club nocturno neoyorquino Café Society junto al pianista Sonny White, y con el trompetista Charlie Shavers a principios de 1939.

Comparada con otras cantantes de jazz, Holiday tenía una tesitura limitada, de solo una octava. Ella compensó esa dificultad con un sentido rítmico implacable, una sutil expresión, y una inmediatez emocional. Más tarde trabajó con estrellas como Count Basie y Artie Shaw convirtiéndose en una de las cantantes negra de jazz de mayor reputación. Sin embargo tenía prohibido usar la entrada principal y debía esperar en un cuarto oscuro lejos del público antes de aparecer en escena. Explicaba el sentido del efecto dramático que presentaba en sus canciones diciendo: «Yo he vivido canciones como esa». Incluso cuando era joven y cantaba canciones triviales populares, su tono único y compromiso emocional hacían de su presentación algo especial.

El valor artístico de Billie Holiday reside en su capacidad interpretativa, en su dominio del swing y en la adaptación de sus cualidades vocales al contenido de la canción. Billie Holiday transmite a sus canciones una intensidad inigualable que, en muchos casos, es fruto de una traslación de sus vivencias hacia las letras que cantaba. Esta personalización de lo cantado hace que su estilo esté muy vinculado a intérpretes clásicos de blues como Bessie Smith o Ma Rainey; también está clara su deuda, confirmada por ella misma, con Louis Armstrong en su autobiografía dejó escrito: «Siempre quise el gran sonido de Bessie y el sentimiento de Pops» y, desde luego, con quien sería su principal acompañante: el saxofonista tenor y clarinetista Lester Young.

Holiday fue aficionada a las drogas psicoactivas (aunque nunca se ha sabido con seguridad), usándolas durante casi toda su vida. Fumaba marihuana desde los doce o trece años de edad. Sin embargo fue la heroína la que la destruyó. No está claro quién fue el que introdujo a Holiday en las drogas, pero historiadores y fuentes contemporáneas coinciden en que comenzó su uso abusivo de intravenosas alrededor de 1940.

Los éxitos de Holiday fueron estropeados por la creciente dependencia a las drogas y el alcohol así como las relaciones abusivas. Esto afectó a su voz como también sus posteriores grabaciones: su espíritu joven fue reemplazado por un matiz de remordimiento pero a pesar de todo, su impacto en otros artistas es indudable. Incluso después de su muerte influyó en cantantes tales como Janis Joplin, Nina Simone y Amy Winehouse. En 1972, Diana Ross actuó para la película Lady Sings the Blues, basada en la obra autobiográfica de Holiday. La película fue un éxito comercial y ganó la nominación de mejor actriz para Ross. En 1987, U2 lanzó Angel of Harlem, en tributo a ella.

Su vida personal fue tan turbulenta como las canciones que cantaba. Se casó con el trompetista Jimmy Monroe el 25 de agosto de 1941. Mientras aún estaba casada con Monroe, tuvo una relación con el trompetista Joe Guy. Finalmente, se divorció de Monroe en 1947 mientras también se separaba de Guy. El 28 de marzo de 1952, Holiday se casó con Louis Mckay, un “justiciero” de la mafia. Mckay, como muchos de los hombres de su vida, era violento pero trató de sacarla de las drogas.

Holiday declaró abiertamente su bisexualidad y se dieron rumores de su aventura con la actriz Tallulah Bankhead. Sigamos entonces adelante el día de hoy con las Efemérides: 17 De Julio.

Sus últimas grabaciones en Verve son recordadas como las grabaciones Commodore y Decca de veinte años atrás. Varias de sus canciones, como «God Bless the Child», «I love you Porgy» o «Fine and mellow» se han convertido en clásicos del jazz. En 1957, el programa The Sound of Jazz, de la CBS, retransmite una interpretación de «Fine and mellow» de la mano de Billie Holiday con Ben Webster (saxofón), Lester Young (saxofón), Vic Dickenson (trombón), Gerry Mulligan (saxofón) y Coleman Hawkins (saxofón), entre otros, que se alternan con Holiday para ejecutar solos instrumentales de gran brillantez en una estructura cíclica típica del blues. Esta interpretación es considerada una de las más relevantes de la historia del jazz. Dos años más tarde, tanto Young como Holiday habrían muerto. Unos días antes, grabaron este mismo estándar con un equipo técnico de mayor calidad, el cual no fue usado para la transmisión del programa de televisión.

En 1958 se publicó Lady in Satin, su trabajo más conocido y penúltimo álbum completado y publicado en vida. Los temas grabados son todos importantes estándares del jazz arreglados para orquesta, a diferencia de las minúsculas formaciones prototípicas del jazz. Cuando presentó una canción en contra de los linchamientos y los constantes maltratos por el racismo, «Strange Fruit» (Abel Meeropol), con textos como «Southern trees bear strange fruit» (los árboles sureños cargan extrañas frutas) le dio un puesto destacado no sólo en la historia de la música sino también en la de Estados Unidos.

Sus últimas grabaciones fueron bajo el sello de MGM, y destacan «All The Way», «All Of You», «Baby», «Won’t You Please Come Home?» En estas dos últimas se aprecia una voz menos distorsionada de lo común en sus últimas grabaciones por lo que se sospecha la aceleración del canal de voz.

Terminando esta sección en las Efemérides: 17 De Julio. Eleanora fue arrestada por posesión de heroína y estuvo ocho meses en prisión. Su tarjeta para trabajar en los clubs de Nueva York (la New York City cabaret card) fue revocada, lo que imposibilitó que trabajara en clubes durante los últimos doce años de su vida. Posteriormente fue víctima de una estafa sobre sus ganancias y murió con tan solo 0.70 dólares en el banco y 750 dólares en efectivo. Al final de mayo de 1959 fue hospitalizada por dolor en el hígado y problemas de corazón. Fue condenada a arresto domiciliario el 12 de julio por posesión de narcóticos; en 1959, la adicción a los narcóticos era considerada un crimen. Billie Holiday permaneció bajo custodia policial hasta su muerte. Fue enterrada en el cementerio Saint Raymond en el Bronx de Nueva York.

Por Jhonatan Nuñez
Fuente: https://billieholiday.com/bio/

Efeméride #3 / Rafael Landestoy Duluc «Bullumba»

En las Efemérides: 17 De Julio el turno es para Rafael Landestoy Duluc «Bullumba». Fallece el 17 de julio del año 2018 en la República Dominicana. El deceso, se produjo a las 8:00pm en su residencia. Landestoy, era uno de los más importantes Músicos y Compositores de todos los tiempos.

Nació en La Romana el 16 de agosto de 1925. Es uno de los mayores registros de la música dominicana en el catálogo internacional del bolero. Franqueado por figuras estelares como Toña la Negra y Fernando Fernández -que le conocieron en La Voz Dominicana-, sus temas quedaron estampados en el acetato y en la pantalla grande, en los años dorados del cine mexicano, hace más de medio siglo.

De la alforja de este laborioso viajero musical surgieron Carita de ángel y Mi dulce querer, inmortalizados al despuntar los años 50 por la voz de seda del crooner y galán del celuloide mexicano Fernando Fernández, con magnífica orquestación de Chucho Zarzosa. Tan entrañables para quienes quedamos marcados con su huella nostálgica.

En una embriagante atmósfera de suave balanceo de los metales, soplando al unísono, con breves e insinuantes solos de clarinete y fondos de sordina, emerge la lírica maravillosa de Carita de ángel: «Vidita/ Carita de ángel/ amor de mi vida/ te llevo en el alma». Creándose un clima perfecto de intimidad. «Quisiera/ en mis horas de angustia/ con la luz de tus ojos/ aliviar mi dolor/ Y entonces/ con la miel de tus labios/ y el calor de tus besos/ embriagarme de amor». También grabado en La Voz Dominicana por Armando Recio.

En 1951, la esposa de Fernández, la cantante Lupita Palomera, dio estilo a Sin necesidad, composición de una belleza y delicadeza sin par, tocada de la magia de un beguine a lo Cole Porter, respaldada musicalmente por Chucho Zarzosa. Pedro Vargas, con la orquesta de Ernesto Duarte, grabó en Cuba en 1955 el mambo-chachacha Parece mentira.

Toña la Negra -gran amiga del joven pianista y autor a quien ayudó a abrirse puertas en el espinoso mundo del espectáculo- aportó la miel de su voz limpia de lamento jarocho para convertir en éxitos continentales los boleros Pesar, Dilo de una vez, Oye vida mía, Cuenta conmigo y el lamento afro Yo soy mulata, que calza pleno en el perfil de la intérprete. Acompañada por las orquestas de Rafael de Paz y Luis Arcaraz.

Pesar fue llevado al disco por Daniel Santos, el Trío Janitzio, así como por nuestros Alberto Beltrán y Luis Vásquez. Compartiendo honores con el standard de Toña la Negra, la versión del vocalista dominicano Alcy Sánchez con la orquesta caraqueña de Billo Frómeta, le imprime brillo y mayor soltura rítmica a este tema emblemático del bolero caribeño.

El veterano tenor mexicano Juan Arvizu nos legó Incomprensión, bolero igualmente interpretado por el dominicano Ney Rivera. Mientras el cubano Panchito Riset, con su estilo inconfundible, nos dejó Y eres tú y Por tu indiferencia. Con fuerza de pregón urbano, Vicentico Valdés proyectó Por eso, con arreglos de Joe Cain y Javier Vázquez.

Las vocalistas femeninas han alimentado su repertorio en el rico bazar musical de Bullumba Landestoy. Celia Cruz pegó Oye vida mía, que recuerdo fraseado con el encanto refrescante de la Guarachera de Cuba en las emisiones meridianas de la sancarleña La Voz del Trópico, en el programa De Fiesta con la Sonora. Parece mentira, un bolero mambo con sabroso swing al mejor estilo big band, quedó en la voz de la boricua Carmen Delia Dipiní. La cancionera mexicana Eva Garza grabó Qué pasa contigo, un burbujeante tema de galanteo y engarce amoroso. Las Hermanas Montoya interpretaron dos composiciones de salero y gracia, la guaracha Bomboncito y el bolero mambo Penita contigo.

Efemérides: 17 De Julio sigue documentando la voz potente de Graciela. Con el sonido de Mario Bauzá y su Afro-Cuban Jazz Orchestra, recreó al fin, un bolero repleto de sugestivas claves marcado de puro feeling. Arreglo de contrapunto de ritmo y metales a la manera del gran maestro cubano radicado en New York Chico O’Farrill, con el respaldo de una banda de cinco saxofones, cuatro trompetas, tres trombones, piano y una amplia línea de percusión. Fellita Puello Cerón aportó la cadencia suave de su timbre meloso al tema Por qué no, con el sonido impecable de la orquesta San José dirigida por Papa Molina.

Los Solmeños, uno de los fabulosos productos de la fábrica de talentos de Rahintel y Rafael Solano, patentaron un acoplado arreglo del bolero Desde que te fuiste, que fuera grabado en 1952 por la orquesta del maestro cubano Adolfo Guzmán.

Fausto Rey interpretó Carita de ángel en el álbum Homenaje a la Canción Romántica Dominicana (1981), bajo la dirección musical de Rafael Solano. Mientras que el veterano Francis Santana estampó su sello a este tema, con arreglo y conducción orquestal del maestro Papa Molina, en la colección de la Secretaría de Estado de Turismo Un Siglo de Música Dominicana (1999). Rhina Ramírez incluyó en su LP Rhina en México el tema Amor tu amor.

En formato coral, Pesar figura en el Álbum de Oro de Industrias Lavador (1991) dirigido por el maestro Dany León, retomado nuevamente por Nandy Rivas en la selección 100 Temas/100 Voces/100 Años (2003). Asimismo, Desde que te fuiste y Serenata son parte de los 100 escogidos por el ojo certero de este exitoso publicista y productor musical. Como antes lo hiciera el maestro Solano en su producción Boleros Dominicanos en Concierto (1995) con la primera de estas últimas composiciones.

Dos temas del autor nos han llegado en su propia voz y estilo pianístico. Me lo dice el corazón, con el piano en primer plano, ritmo y violín, haciendo este instrumento un fondo o contrapunto tenue. Dotado de cadencia maravillosa, recuerda el formato del bolero popularizado por Agustín Lara al piano en los años 30, en sus presentaciones en vivo en la radiodifusora XEW en La Hora Intima de Agustín Lara. El otro es Tu desprecio, vocalización y teclado de Bullumba L andestoy, con apoyo de trompeta ensordinada, ritmo y coros.

Desde su salida del país en 1951, Bullumba Landestoy ha realizado un largo periplo. Varias estancias en México, donde trabajó en agrupaciones musicales y como acompañante en veladas artísticas privadas. En Venezuela laboró en el Tony’s Club, haciendo dueto con un cantante cubano que dominaba la tumbadora y se manejaba a sus anchas en los viejos temas de los Matamoros y Ernesto Lecuona.

A finales de los 50 se estableció en Nueva York y se incorporó como pianista de agrupaciones musicales. Se unió a la Lecuona Cuban’s Boys fundada por el maestro Ernesto Lecuona, sustituyendo al pianista Armando Oréfiche. Con esta organización realizó una gira de seis meses por Sudamérica que abarcó Argentina, Uruguay y Perú.

En 1962 se inició su ciclo puertorriqueño, actuando por más de un año como pianista en La Concha, en San Juan. Tras esa temporada, ingresó al Monasterio San Antonio Abad, en Humacao, como aspirante de la orden de los monjes benedictinos. Al mantenerse como seglar, durante siete años impartió clases de piano, guitarra y composición musical en el colegio operado por la abadía. Bajo atmósfera propicia, allí compuso piezas para piano y guitarra que en los últimos tiempos se han presentado con favorable acogida de crítica en prestigiosas salas de concierto de los Estados Unidos.

Culminamos esta Efemérides: 17 De Julio trayendo a nuestro recuerdo el año 1977 cuando retornó a Nueva York. Trabajó dieciseis años en el Café San Martín de First Ave y 76 St, gracias a su versatilidad en el dominio de la música latina y norteamericana, en especial las melodías que han consagrado a Broadway como capital mundial de los musicales.

Fuente: https://youtu.be/PDsEB3-y6MU
Por José Del Castillo Rosario para DiarioLibre.com

Efeméride #4 / Bulmaro José Ruíz «Joe Ruíz»

Las Efemérides: 17 De Julio están nutridas de valiosa información para la historia de la salsa. Es el turno de Bulmaro José Ruíz “Joe Ruíz”, “El Duro de la Clave”. Nace el 17 de julio del año 1948 en la población oriental de Pariaguan, Venezuela. Extraordinario y Bravo Cantante de recordadas participaciones con la orquesta de Porfi Jiménez, “El Grupo Mango”, “El Trabuco Venezolano” Y la “Orquesta Café”, entre otras.

Desde pequeño evidenció sus aptitudes para el canto y su disposición para subir a los escenarios a cantar. Trasladado con la familia a Caracas, Joe, cuyo nombre de bautismo fue Búlmaro José Ruiz Barrios, se integró a diferentes grupos amateurs en ese movimiento naciente de la salsa.

Debutó profesionalmente a los 19 años, el 25 de julio de 1967, durante las festividades del cuatricentenario de la fundación de Caracas, fue en la Pastora. A las pocas semanas ya estaba grabando con “los Juniors Star”, agrupación que lideraba Kiko Pacheco. Con “los Juniors” permaneció un buen tiempo y graba dos discos.

Para finales de la década de los sesenta pasa a formar parte de “Federico y su Combo Latino”, en donde logra grabar en tres producciones discográficas, la ultima de ellas denominada “Vibración y Ritmo”, donde él numero musical titulado “el cobrador”, pega de tal forma en Colombia, y así viajan a este vecino país para realizar presentaciones en las fiestas de carvanales.

Para 1972, Joe, entra a la orquesta de Cheo Palmar “Las Estrellas Latinas”, grabando en el segundo y tercer disco de esta agrupación y compartiendo vocalización entre otros con el Negrito Calaven, Canelita Medina y el mismo Cheo Palmar.

Hacia el año 1974 graba un disco en homenaje a Benny More con la “Orquesta Sabor Típico”, en donde participaron entre otros músicos, Rafael Araujo, El pollo Gil, Pepe el mexicano y Carlos Daniel Palacios en los coros. En este mismo año Joe Ruiz, integra la «Orquesta Rumbón diez», bajo la dirección de Mon Carrillo y grandes músicos como Cheo Navarro, Rafael «Muerto» Silva, José «Flaco» Bermúdez, Gustavo Quinto, Luis Pérez, Edy Toro y otros.

En las Efemérides: 17 De Julio les presentamos datos y curiosidades en torno a la salsa. Transcurría el año 1976 es el más movido en la carrera profesional de Joe Ruiz, ingresa a las filas de la Orquesta del maestro Porfí Jiménez, donde permanece aproximadamente diez meses. Paralelamente a esto Joe, ya se encontraba ensayando con el “Grupo Mango” y finalizando el año graba su primer disco con este gran sexteto.

El Mango alcanzo a ganar el premio al mejor sexteto del mundo, latiéndole en su propia cueva al sexteto de Joe Cuba. En ese mismo año 1976, el negrito Joe, graba bajo la tutela del pianista peruano Alfredo Linares, un disco con gran derroche de salsa y sabor, titulado “Alfredito y sus Estrellas”, que por la falta de difusión paso desapercibido por el publico melómano. Al año siguiente continua la carrera avasallante de Joe Ruiz con su ingreso al “Trabuco Venezolano”.

El Trabuco bajo la dirección de Alberto Naranjo reunió lo más representativo de los cantantes e instrumentistas del ámbito musical caraqueño. Joe graba en las tres primeras producciones de esta superbanda, reviviendo temas tradicionales venezolanos como: El muñeco de la ciudad y el Cumaco de San Juan.

1979 fue un año productivo. Graba otra producción con el Grupo Mango y trabaja también con “La Banda y su Salsa Joven”, en la producción “Tremenda salsa con la banda”, vocalizando el numero “En mi humilde barrio”. En ese mismo año Joe Ruiz y el Bobby son los vocalistas del disco de la “Orquesta La Monumental”, cuyo director era Roy Herrera. Los arreglos y la mayoría de las composiciones estuvieron a cargo de Héctor Poleo.

En el año 1982 participa en una grabación de Jorge Beltrán y Los Peñiques. Luego al año siguiente graba un disco para el sello Sonografica titulado “Joe”, donde sigue evidenciando su gran calidad como sonero.

La orquesta “Café” en 1986, la orquesta de Charangas en 1988 y su participación en la banda de Gerardo Rosales en 1990, marcan la etapa final de la vida profesional de Joe Ruiz. La salud, ya resentida, comenzaba a trastocar los planes del sonero. Sin embargo, apartando un poco el trasnocho y la intensidad vital. Joe Ruíz, se dedicó con ahínco al gremio al que perteneció siempre. Luchó al lado de muchos de sus compañeros y alcanzó la Secretaria General de la Asociación Musical para el periodo 1993-1995.

Falleció el 18 de febrero de 1995, sin culminar su gestión gremial, pero dejando logros y proyectos de organización y protección al músico. El querido vocalista, llamado por sus compañeros “El duro de la clave” pues respetaba mucho el sentido del ritmo, llegó a cantar al lado de Ricardo Ray y Bobby Cruz, Jhonny Pacheco, el «Gran Combo de Puerto Rico», Tito Puente y José Fajardo. Con todos ellos dejo muy en alto sus condiciones vocales.

Nota: Joe Ruiz, ya quebrantado de salud, comenzó a grabar un disco de boleros, bajo el arreglo de Roberto González, el cual no pudo concluir. Esperemos que algún día salga a la luz publica, algo editado de este material, como un homenaje a quien en vida y aún después de fallecido es considerado uno de los mejores “soneros” de Venezuela “el duro de la clave”, Joe Ruíz.

Fuente: Gregorys Perez para
http://www.americasalsa.com/biografias/joe_ruiz.html

Efeméride #5 / Generoso Jiménez García «Tojo»

Gracias por seguir en sintonía y compartiendo con toda nuestra familia salsera las Efemérides: 17 De Julio. Celebremos que Generoso Jiménez Garcia «Tojo», «El Trombón Majadero», nace el 17 de julio del año 1917 en Cruces, Cuba. Trombonista, integrante de la legendaria «Banda Gigante» de Benny Moré. Procedía del mismo pueblo donde nacieron dos grandes de la «Orquesta Aragón», Pepe Olmo y Richard Egües.

Inició sus estudios de piano con Carmen Avellano, con la que también estudió armonía. Para el año 1928, como educando, ingresó en la Banda de Música de Cruces, con la que el 20 de mayo del mismo año tocó su primer concierto. Hacia 1931 formó parte de la Orquesta Jakiky, y en 1935, ingresó en la orquesta de su antigua profesora, Carmen Avellano; después para 1939 se disolvió esta agrupación, y en unión de Gilberto la Rosa, integra, como pianista y arreglista, la Rítmica del 39 (posteriormente Orquesta Aragón); finalmente en 1941 integra la Cienfuegos Jazz Band.

El año 1943 es cuando se traslada para La Habana, donde el 24 de julio debuta en el Cabaret Tropicana, cuya orquesta dirigía Armando Romeu. Ya para 1945 ingresa, como trombonista solista y orquestador, en la Banda de la Policía.

En 1949, por sugerencia de Enrique González Mántici, se incorpora a la orquesta del Programa Trinidad y Hermano, dirigida por Carlos Ansa. Allí conoció a Orlando Guerra, al cual le hizo varias obras y arreglos de Ignacio Villa para una gira.

A fines de 1949, formó parte de la orquesta del Circo Ringling Brothers. Trabajó también con la orquesta que acompañaba el show del Teatro Negrete, dirigida por el compositor y pianista Dámaso Pérez Prado. Además trabajó, entre 1947 y 1948, con las orquestas Casino de la Playa (sustituyó por un tiempo a Dámaso Pérez Prado). Hermanos Martínez. La Happy de Ulacia, Los Diplomáticos (de Lorenzo Pego).

En 1951 comenzó a hacer grabaciones con Arturo O’Farrill, Obdulio Morales y Las Estrellas de Bebo Valdés, con quien, a fines de ese año, ejecutan el ritmo batanga, de Bebo, en un programa de Cadena Azul; en este período conoce a Benny Moré, para cuya orquesta realiza algunos arreglos, y en 1955 se incorpora como músico fijo de la banda del Benny. Paralelamente, grababa descargas con Orestes e Israel López, Gustavo Tamayo, güirista, y otros.

En 1958 formó parte de la Orquesta de Mario Romeu, que acompañó al cantante chileno Lucho Gatica en el programa Escuela de Televisión, de Gaspar Pumarejo; a la vez trabaja con el Benny en el show del Cabaret Tropicana. En diciembre de 1958, actuó con la Banda Gigante de Benny Moré en el Roof Garden del Hotel Lido, de Nueva York.

Durante su carrera como músico, grabó Generoso y su danzonera, Ritmo, La reina del guaguancó (Celeste Mendoza), El trombón majadero; además hizo grabaciones con las orquestas Riverside, Sensación, Hermanos Castro, el conjunto Chappottín; así como con Rolando Baró y Andrés Hechavarría.

Entre 1966 y 1978 (año en que se jubila), integró la orquesta del Instituto Cubano de Radio y Televisión (ICRT). Realizó orquestaciones para los cantantes Miguel de Gonzalo, Rolo Martínez, Rolando Laserie y Pacho Alonso. Fue director de las orquestas de Radio Rebelde, y de los cabarets Sierra y Las Vegas, en La Habana.

Trabajó arduamente en la música durante toda su carrera, haciendo colaboraciones y producciones por más de 50 años. Continuamos con las Efemérides: 17 De Julio.

Para el 2002, por iniciativa del trombonista exiliado Juan Pablo Torres y el productor alemán Detlef Englerhard, se grabó en La Habana «Generoso, que bueno toca usted», nominado al Grammy en el 2003, ceremonia a la que asistió en Nueva York. En Noviembre del 2003, retornó a Estados Unidos para cumplir una invitación artística y decidió quedarse para siempre.

Transcurría el 2005 cuando la Academia Latina de Grabaciones Musicales (LARAS) le otorgó un Premio Grammy Honorario a la Excelencia Artística durante una ceremonia en Los Ángeles. En esa ocasión pudo reunirse a descargar en el escenario con dos de sus viejos amigos, Israel López al contrabajo y Bebo Valdés al pìano.

Falleció el 15 de septiembre de 2007, en Miami, Florida. Pasó sus últimos años de vida, junto a una de sus hijas. A Generoso lo sobreviven sus hijos Ricardo, Rubén, Regla y Raquel, en Miami; y Regina y Raúl, en Cuba. Además, siete nietos y ocho biznietos.

Efeméride #6 / Ángel Miró Andujar «Catarey»

Continuemos compartiendo las Efemérides: 17 De Julio y a su vez y aportando nuestro grano de arena para que la cultura salsera siga viva entre nosotros. Es la oportunidad de referencia a Angel Miró Andujar «Catarey», «Don Cata», muere el 17 de julio del año 1988, en un accidente automovilístico, cuando el vehiculo en el que se transportaba rumbo al aeropuerto de la ciudad de Zulia, en Venezuela, se estrello contra un autobús. Se proponía regresar a la República Dominicana, luego de una gira con el grupo 4-40 de Juan Luis Guerra.

Nació el 23 de septiembre del año 1949, en Villa Juana, Santo Domingo, República Dominicana. Percusionista en general, Arreglista Director de orquesta, de los mas grandes y completos percusionistas que ha dado Quisqueya La Bella.

Desde niño tenían un trío donde el tocaba guira después, luego, paso a tocar la tambora, ingresando a la orquesta del trompetista Héctor de León, en los años 60’s.

Este grandioso músico, no necesita ser presentado, tampoco necesita que se diga que tan bueno o excelente era, el fue y seguirá siendo recordado ppr ser «Tambora Pura», asi de simple. En los programas de tv de los años 1978-79, Catarey se convirtió en figura principal en el país que le vió nacer. Oriundo de una familia de extraordinarios músicos, todos excelentes, grandiosos, Nicky, Tito, Raymond, no sabría decirle cual de ellos es más grandioso, todos son geniales.

En la misma calle, la Summer Welles de Villa Juana, él, era una de las personas mas queridas, por su simpatía, por su jocosa forma de ser y por su sencillez. A través de su amistad con Jesús Benítez “Cachú”, tamborero de la orquesta de Rafael Solano, hizo eco de su enorme sentido del humor que frecuentemente lo acompañaba.

Estuvo en la orquesta de la policía nacional. Después pasó a la orquesta «Los Veduinos» de Wilfrido Vargas, también creo su propia orquesta, nombrada, «La Selección de Catarey». No le gustaba viajar, por eso, se dedicó a las grabaciones para un sin número de artistas nacionales en el show del medio día y a tocar en espectáculos locales.

Es necesario recordar en las

Efemérides: 17 De Julio que fue muy querido y admirado por todos, abriendo siempre su corazón para todo aquel que le pudiera interesar acercarse a él. Catarey, un músico dotado de un don especial que Dios le dió, tenía un sonido meloso en la tambora, una creatividad impresionante, conocedor de infinidades de patrones rítmicos que supo ir introduciendo en cada trabajo realizado.

Su peculiar y particular estilo, un poco opaco, no siendo estruendoso ni buscando tampoco ser protagonista, hizo de él un verdadero artista. Era puro sentimiento al tocar tanto la tambora, como las congas.

Existían dos escuelas, prácticamente la suya y la de Chocolate. Estos, conformaron una época del merengue donde los geniales tamboreros hicieron su historia, siendo ellos, las máximas figuras.

«Don Cata», siempre habló mucho de sus conocimientos de música Negra. Tenía un enorme respeto por esa expresión musical. Entendía que detrás de toda inspiración artística existía un dolor que era la fuente de inspiración para el percusionista.
Su estilo fenomenal hicieron que fuera inconfundible su sello, sus patrones que usaba, sus entradas rítmicas, sus expresiones creaban una aureola mágica junto a sus compañeros de la sesión rítmica.
Su influencia era tan aguda, que en el Show del Mediodía, en De Noche, el batería de la orquesta George Lister, se sentía inspirado por la energía que emanaba del espíritu de este artista al tocar la tambora. Sentía que aunque su estado de ánimo estuviera en el suelo, el solo hecho de ver a Catarey tocando lo hacia revivir.

Aunque la tambora fue su instrumento que lo inmortalizo, en la conga, bongó, güira era magistral también. Catarey nació con el alma del universo convertida en tambora dentro de su corazón.

A través de la Alianza Dominicana en New York se le pidió al gobierno en curso que se declarara el 17 de julio como Día Nacional de la Tambora, en honor a nuestros tamboreros idos y en especial a nuestro Cata como también lo llamábamos. Esta petición fue canalizada a través del director de el «Conjunto Folklórico de la Alianza Dominicana» el sr. Iván Domínguez, amigo y profundo conocedor del folklor nuestro.

Era un artista único en su creatividad, su fuerza rítmica y como jugaba con el tiempo. Cuando hacia un solo mostraba su alma en cada gesto, cada palo, cada palmada, amaba lo que hacia, la tambora era la continuidad de su ser, de su espíritu, se transformaba y solo quedaba observarlo y disfrutarlo a plenitud hasta que terminara su solo.

Su grandiosidad humana lo hizo ser un hombre querido por todos, con un gran sentido del humor, pero también rígido cuando las condiciones lo ameritaban.

Sentía un profundo respeto por los tamboreros de música típica, exigente consigo mismo y con su entorno. No le gustaban las chabacanerías musicales ni los músicos falsos como el me decía. Me manifestó días antes de mi decisión de irme a vivir en New York que nunca me olvidara que nací dentro del merengue, que le diera lo mejor de mi alma al merengue porque los dominicanos éramos Merengue.

Trabajó de manera incansable, desde una gran parte de los años 70’s y hasta el año 88.

En las Efemérides: 17 De Julio les mostramos ésta canción escrita por Juan Luis, como tributo a él
«Ángel para una tambora»
(Juan Luis Guerra)
Nunca dejes de sonar mi tambora
archipiélago de toque escondido
eres trueno de una muerte sonora
muerte de madera y chivo
Nunca dejes de sonar mi tambora
crisantemos despeinados te adornan
y la güira se ha postrado en tu cama
y te roza…
Suena un ángel, viste de tambora
tierra adentro con la tumbadora
mil luceros forman tu corona
nunca muere, ey, mi tambora
Nunca dejes de sonar mi tambora
tu cintura, aroma de aserradero
y derrama de otras manos tu sangre
vé pariendo un tamborero
Por allá por el estado de Zulia
en la parte norte de Venezuela
le nacieron alas a mi tambora
y ahora vuela…
Por los Andes, sueña mi tambora
tierra adentro con la tumbadora
mil luceros forjan tu corona
nunca muere, ey, mi tambora
Suena un ángel, viste de tambora
tierra adentro con la tumbadora
mil luceros forman tu corona
nunca muere, ey, mi tambora

«Don Cata», siempre será recordado como uno de los mas importantes artistas, de la música latina.

Efeméride #7 / John William Coltrane

Desentrañemos un poco más la historia y el legado de los artistas salseros en las Efemérides: 17 De Julio. John William Coltrane, mure de cáncer de hígado el 17 de julio del año 1967 en el Huntington Hospital en Long Island, New York, Estados Unidos, . Destacado Saxofonista tenor y saxo soprano, que ocasionalmente también tocó, el saxo alto y la flauta, considerado como uno de los más grandes músicos del siglo XX.

Aunque también muy controvertido, se trata de uno de los músicos más relevantes e influyentes de la historia del jazz, a la altura de otros artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y Miles Davis. Se casó, en segundas nupcias, con la pianista de jazz Alice Coltrane (1937-2007).

Su padre, John R. Coltrane, fue sastre y músico, intérprete de varios instrumentos de cuerda. Su madre Alice Blair, trabajó como costurera y sirvienta, aunque con estudios superiores y con capacidad para cantar y tocar el piano. Sus abuelos eran pastores metodistas, motivo por el cual John estuvo desde muy pequeño en contacto con los himnos y música de la iglesia.

Dos meses después de nacer, su abuelo materno, el reverendo William Blair, también líder político en su comunidad, fue nombrado regidor anciano de la A. M. E. Zion Church, por lo que la familia se trasladó a High Point, lugar donde crecería John.

Tras graduarse en 1939 en primaria, su padre, sus abuelos y su tío fallecieron, dejando diezmada la familia. Su madre tuvo que trabajar como criada para sostener a la familia. El mismo año, Coltrane se unió a una orquesta de la comunidad en la que vivía en la que tocó el clarinete; en su orquesta del instituto tocaría ya el saxofón. A comienzos de la Segunda Guerra Mundial, su familia se mudó a Nueva Jersey en busca de trabajo, dejando a John con unos amigos.

Fue reclutado por la Marina en 1945 y un año más tarde volvería a Estados Unidos. Coltrane trabajó en varios empleos durante los años cuarenta (siendo saxo alto) hasta que se unió a la big band de Dizzy Gillespie en 1949. Permaneció con Gillespie hasta la separación de la banda en mayo de 1950 (ahora tocando saxo tenor) y luego se unió a un pequeño grupo de Gillespie hasta abril de 1951, cuando volvió a Filadelfia para asistir a la escuela.

A principios de 1952 se unió a la banda de Earl Bostic, y en 1953, después de algunos roces con Eddie Vinson, se unió a un pequeño grupo de Johnny Hodges (durante un tiempo libre de este saxofonista de la orquesta de Duke Ellington), quedándose hasta mediados de 1954.

Aunque existen grabaciones de Coltrane tan tempranas como del año 1946, sus padres en ese momento no reconocieron el genio de este joven músico. Su verdadera carrera se extiende desde 1955 a 1967, durante los cuales le dio nueva forma al jazz moderno e influenció a generaciones de nuevos músicos. Coltrane estaba libre en Filadelfia en el verano de 1955 cuando recibió una llamada del trompetista Miles Davis. Davis, cuyo éxito a finales de los años 40 fue seguido por varios años de deficiente producción, quería comenzar de nuevo y formar un quinteto. Coltrane estuvo en la primera formación del grupo de Davis desde octubre de 1955 hasta abril de 1957. Un periodo en que se grabaron algunos de los discos más influyentes de Davis y fue cuando se evidenciaron las primeras señas del crecimiento de Coltrane. Este clásico primer quinteto, es mejor representado por dos sesiones de grabación maratonianas realizadas para Prestige en 1956. Se disolvió a mediados de abril.

Durante la última parte de 1957 Coltrane trabajó con Thelonious Monk en la legendaria Five Spot de Nueva York. Luego volvió a unirse a Miles en enero de 1958, donde permaneció hasta abril de 1960, tocando habitualmente junto al saxo-alto Cannonball Adderley y el baterista Philly Joe Jones como un sexteto. Durante este tiempo participó en memorables discos como Milestones y Kind of Blue y además grabó sus más influyentes discos con su grupo, Blue Train y Giant Steps. A finales de su estadía con Davis, Coltrane comenzó a tocar el saxo soprano.

Antes de continuar con las Efemérides: 17 De Julio, recordamos el siguiente dato. Coltrane formó su primer grupo, un cuarteto, en 1960. Tras pasar por el mismo músicos como Steve Kuhn, Pete LaRoca y Billy Higgins, el grupo se estabilizó con el pianista McCoy Tyner, el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones.

Durante su estancia con Miles, Coltrane había firmado un contrato con Atlantic Records, para quien grabó el disco Giant Steps. Su primera grabación con su nuevo grupo fue My Favorite Things. El grupo exploraría la espiritualidad en trabajos como «A Love Supreme», publicada en el álbum del mismo nombre, es una obra lírica de cuatro partes basada en un simple ostinato de bajo.

Su trayectoria musical, marcada por una constante creatividad y siempre dentro de la vanguardia, abarca los principales estilos del jazz posteriores al bop: hard bop, free jazz y jazz modal. La discografía de Coltrane es considerable: grabó alrededor de cincuenta discos como líder en doce años, y apareció en más de una docena de discos guiado por otros músicos.

La obra de Coltrane está conscientemente vinculada al contexto sociohistórico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos civiles de los negros). En muchas ocasiones, busca una suerte de trascendencia a través de determinadas implicaciones religiosas, como se puede advertir en la que es considerada por la crítica su obra maestra, A Love Supreme.

Una de las aportaciones más reseñables de Coltrane es la que se refiere a la extensión de los solos de jazz, al eliminar cualquier límite temporal a los mismos y dejar su extensión al arbitrio de las necesidades del intérprete (de ahí que muchos temas de Coltrane sobrepasen, por ejemplo, los treinta minutos).

Por Jhonatan Nuñez

Efeméride #8 / Floirán Antonio Jiménez «Anthony Ríos»

Es un inmenso placer para el equipo de trabajo de La Esquina Del Movimiento seguir documentando los datos y curiosidades en torno a la cultura salsera con nuestras Efemérides: 17 De Julio. Floirán Antonio Jiménez «Anthony Ríos». Nace el 17 de julio del año 1950 en el barrio Las Cañitas, perteneciente al municipio Sabana de la Mar, en Hato Mayor del Rey, Republica Dominicana. Reconocido Cantante, Compositor, Actor, Comediante, Locutor y Músico, que se desempeñó en diferentes orquestas, tales como las de Johnny Ventura, («El Combo Show») y Luisito Martí («El Sonido Original») de donde fue cofundador.

Se caracterizó por ser un fenómeno de la música romántica. Sus Baladas, fueron un tope máximo en la época de los 70’s y los 80’s en gran parte de Latinoamérica.

En otros ritmos, trabajó de manera discontinua, realizando interpretaciones de Guaguancó con «El Sonido Original», como lo es el tema «Melancolía».

Falleció el lunes 4 de marzo del presente año 2019 en el centro médico Cecanot, en Santo Domingo, República Dominicana. Su muerte, dejó un legado incalculable, tanto por sus composiciones, como por su carisma. Su chispa y su talento indudable a la hora de interpretar.

Por Jhonatan Nuñez

Efeméride #9 / Abelardo Barroso Dargeles «El Alma De Cuba»

Casi terminamos con las Efemérides: 17 De Julio. Recordamos que un día como hoy, 17 de julio, pero del año 1925, Abelardo Barroso Dargeles «El Alma de Cuba», «Caruso», ingresa al legendario conjunto «Sexteto Habanero».

Efeméride #10 / José «Pepe» Longarela

Finalizamos las Efemérides: 17 De Julio recordando a José «Pepe» Longarela. Nace el 17 de julio del año 1936 en La Habana, Cuba. Cantante y Compositor, de participaciones con las orquestas: «Conjunto Premier», «Orquesta Quintana Melodys Boys» de José Antonio Quintana y «Conjunto Musicuba», entre otros.

Empezó su andar estudiando música en el conservatorio de La Habana. Estudió composición, canto, piano y contrabajo, pero viniendo de una familia muy humilde, Pepe, no puedo terminar los estudios.

Siendo muy joven aún, ingresó al «Conjunto Premier», donde terminó de pulir sus habilidades en el canto. Estando allí, tuvo la oportunidad de compartir en lugares con José Antonio Quintana y este le invita a formar parte de su conjunto. Luego pasó por la agrupación de Luisito Valdés. También formó parte de él «Conjunto Caney» (de México) de Ray Alvarez Dueñas.

Por Jhonatan Nuñez

 

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